Новий погляд на сучасний живопис. Перша частина книги «Договірні цінності».

Договірні цінності.

Пропонуємо вашій увазідослідженняприроди договірних цінностей.Глави цієї книгиподані у вигляді окремих есе.

Договірні цінності. 1. Есе про живопис.

Уявіть - ви на виставці картин. Ви прийшли подивитися на творчість автора, якого мистецтвознавці в один голос називали генієм. І ось ви дивитеся, а на картинах - якісь безглузді, ніяково намальовані лінії, рисочки і закарлючки. На деяких просто коло, зафарбований червоною гуашшю, або трикутник, зафарбований темно-синьою. Що б ви подумали про се дійстві? Швидше за все одне з двох. Або: "Ну і що тут особливого? - і я так зможу намалювати". Або: "Напевно я ще не в змозі осягнути сенсу цих картин". Звичайно ви могли б подумати і таке: "Ну і дурень же цей автор!". Але такий посил все ж ближче до першої думки.

К. Малевич. "Чорний квадрат". 1915.

Зразок живопису супрематизму.

Зразок живопису ташизм.

Зразок живопису конструктивізму.

Асі. "Триєдина суть буття". 2009.

Крах СРСР з його критичним ставленням до авангардизму призвело до того, що багато людей, навіть ті з них, хто буде стояти на першій або третій позиції - не висловили її вголос. А багато хто так невпевнені в собі, що щиро стоятимуть на другий, і бачачи, що намальована дурниця, будуть думати, що вони чогось не розуміють, будуть шукати в усьому цьому таємний сенс і найголовніше - будуть знаходити його. Хто шукає той завжди знайде! Ось приклад з життя. Одного разу я влаштував невеликий розіграш, із завідуючою однієї картинною галереєю, моєї колишньої дружиною. Йшлося про картину, яка представляла собою суміш малозрозумілі, довільних мазків різними фарбами. Ця абстракція чомусь називалася канадським озером. Я і наш син знали, що картина так називається, а завідуюча не знала. - Що ти тут бачиш? - було питання. Вона задумалася і натхненно промовила приблизно наступне - "астральний-ментальний віртуальний потік душі, спрямовується в метафізичні вершини, зливаючись з сяйвом божественного ефіру ...". Або щось інше в тому ж дусі. Загалом, вона знайшла в картині настільки глибокий сенс, що якщо таке полотно продати з її анотацією - точно варто було б шалені гроші! Головне грамотно "розкрутити" цю анотацію. Чи не картину! Хаос мазків можна намалювати будь-який, під ту ж саму анотацію. - Мама - відпадає - сказав син, перемігіваясь зі мною, - Невже ти не бачиш канадське озеро .. - І типово КАНАДСЬКЕ - підкреслив я, - крім, як в Канаді, таких озер ніде немає. - Ось зелененький, - син вказує на моховито-зелений мазок, - це кущики, невже ти їх не бачиш. - А ось це канадська село, видніється, на горизонті, - включився в гру я, тицяючи в невизначено-бура пляма. Загалом, глибокодумно метафізика була осоромлена в той день. Хоча треба сказати, що в тому ж збірнику живопису, який називається "Шедеври мистецтва 20 століття", було наведено кілька репродукцій картин, які знаходяться як би в "прикордонній зоні". Там була, наприклад, картина, розглядаючи яку поблизу, ви побачите лише суміш мазків різних фарб, а здалеку, зможете розгледіти ледь помітний будинок, під вуаллю сніжинок. Подібна, дійсно цікава, експериментальна живопис і служить своєрідною індульгенцією для халтурників, дозволять їм продавати безглузді мазки за величезні гроші. Але про це ми поговоримо пізніше. А зараз про специфіку нашої психології. Під словом "нашої" я в даному випадку розумію жителів пострадянських країн. Як було сказано вище в СРСР, а якщо точніше то в пізньому СРСР, авангардизм не вітався. Хоча в ранньому СРСР він процвітав. Разом з соціальною революцією творці намагалися влаштувати революцію в мистецтві. Потім влада почала насаджувати реалізм і класицизм. Об'єднання цих двох напрямків, на основі політично заданої тематики і імперського розмаху, породило те, що називають соціалістичним реалізмом. (1) (примітки см. В кінці есе) А ось авангард був не в честі. Це сталося відразу після того, як відбулася стабілізація суспільства, і Радянський Союз на новому витку спіралі повернувся до багатьох цінностей царської Росії. Хоча влада не говорили про це в суспільно-політичному ключі. ПОВЕРНЕННЯ до дореволюційних архетипів, називали продовженням революції. Інша справа в мистецтві. Тут авангард був відкинутий відкрито. Не те, щоб він сильно переслідувався ... але критикувався. Якщо розглядати сформовані в сучасному суспільстві стереотипи, то ставлення до авангарду в СРСР можна виразити такою картинкою. Микита Хрущов на бульдозері трощить картини авангардистів. (2) Тут в усередненому свідомості змішалися дві події. Перше - відвідування М. Хрущов виставки в московському Манежі в 1962 році, коли Микита Сергійович насварив в серцях авангардистів, завдяки чому з'явилися їм такий піар, що і за мільйони не купиш. Після цього багато авангардисти зробили круту кар'єру на Заході. Тобто заробили там славу, а значить і великі гроші. Причому ті, хто зараз пише про це, вже не приховує, що скандалу шукали САМІ художники. Шалений Микита лише підіграв їм. І тут ми переходимо до другого події - до, так званої, "Бульдозерної виставці". Нові покоління авангардистів теж хотіли піару. Але Хрущов був давно знятий і помер. Його приймач Леонід Брежнєв не був настільки імпульсивним, щоб робити авангардистам рекламу ні за що, ні про що. І тут був придуманий хід з бульдозерами - геніальний піар-хід. За задумом він, як і в випадку з Хрущовим, повинен був принести художникам, взяти участь у такій події, "колосальні бабки". На Заході, природно. У світлі вищесказаного зараз не здаються безпідставними ходили по Москві чутки про те, що бульдозери були проплачені ... самими художниками. Все-таки така чудова сценка, як грубо бульдозер, крушить тендітна твори "високого духу", могла прийти в голову тільки художникам. До того ж, картин таких не шкода - подібне можна створити за пару хвилин за допомогою пульверизатора. Це ж вам, не «Явлення Христа народу", над яким треба працювати багато років. Тим більше сама сценка відповідала стереотипу про СРСР, який склався в головах обивателів західних країн під впливом всюдисущих ЗМІ. Стереотип був мало схожий на дійсність, хоча його вже і у нас активно нав'язують молодому поколінню, тим людям хто не встиг пожити в Радянському Союзі. (3) {pagebreak} Треба сказати, що тоді - в 1974 році - за політику садили рідко. Воліли висилати на Захід. А художники, які виставили свої картини на пустирі в московському районі Бєляєво, взагалі нічим не ризикували. Адже бульдозери розганяли виставку в присутності великої кількості ІНОЗЕМНИХ журналістів, ніж створювали художникам неймовірну славу. Дійшло навіть до міжнародного скандалу. Так що, якщо б московські (зовсім не союзні, саме московські) влада хотіла б ДІЙСНО розігнати виставку, зробили б це без жодних бульдозерів, а за допомогою звичайних дружинників і без жодного шуму. Тому припущення про те, що якийсь московський чинуша отримав "на лапу" за те, що пригнав бульдозери, не стане спростовувати будь-яка людина, знайомий з тим, як робиться піар. До того ж художники мали великі зв'язки і багатьох покровителів в партапарату. І відразу після того, як влада своїми бульдозерами початку масоване просування радянського авангарду на світовий ринок, пройшла санкціонована зверху виставка авангардистів в Измайлове. З тих пір вони стали брати участь і в офіційних експозиціях - наприклад, в Москві на Малій Грузинській вулиці. Хоча і до того ситуація була не настільки плачевною. В СРСР офіційно працювали найбільші діячі авангарду - К. Малевич, який працював у Народному комісаріаті освіти, і П.Філонов, який малював портрети Сталіна. Третій класик російського авангардизму - В.Кандинський - теж спочатку працював в Країні Рад. Він став професором і віце-президентом Академії художніх наук і був офіційно відряджений за кордон для встановлення там культурних зв'язків. Та й під час репресій в 1930-і художників постраждало відносно небагато - набагато менше, ніж тих же письменників. Авангардизм в СРСР не те щоб заборонявся ... він просто не вітався владою, після того, як сам "побував при владі" перші півтора десятиліття після революції і всіх неабияк "дістав". Хто не вірить, почитайте пресу 1920-х. Потім настав час класики, хоча авангардисти писали і тоді. Ніхто не посадив би за зберігання "крамольною" авангардистської картини, природно, якби вона не несла карикатури на Сталіна. Але і художника-реаліста теж посадили б за таке. Хоча, як зазначають дослідники, художники навіть для себе майже не малювали крамоли. Письменники писали крамольні речі - їх знайшли і пізніше опублікували. А крамольних "підпільних" картин дуже мало. До речі, багато прийомів нової живопису використовувалися в офіційному мистецтві - на плакатах, наприклад. Якщо ви заглянете в радянські словники пізнього часу, побачите, що статті про авангард початку ХХ століття написані дуже шанобливо. А імпресіонізм був практично прирівняний до класики. Але не в цьому справа. Радянські мистецтвознавці дійсно лаяли авангардистів в своїх роботах - нерідко несправедливо і незграбно. Я зробив екскурс в історію для того, щоб було зрозуміліше ставлення до авангардизму нинішніх мистецтвознавців і публіки обертається в околохудожественних колах. Пам'ятаючи про минуле, ці люди сприймають авангард, як якусь "священну корову". Ходять з розумними обличчями навколо цих кружечків з загогулінкамі і вдають, що отримують естетичне задоволення. Прямо, як в казці про голого короля. Всі бачать, що король голий, а сказати бояться. Бояться критикувати явно бездарну мазанину. Хоча самим недовірливим можливо і справді вселили, що це круто. Може нинішні шанувальники механічного змішування фарб і справді отримують задоволення від подібного? Не знаю - в чужу душу не залізеш, але це вже пахне ненормальністю. Коли обиватель дивиться на ці хаотичні мазки, він на рівні підсвідомості знає, звичайно, що і сам запросто намалює таку картину без будь-якої підготовки. І його підсвідомість право. Але на рівні свідомості обивателю вселили, що авангардний живопис - це дуже складно. І думає наш обиватель: "Напевно, я чогось не розумію, раз всі фахівці кажуть, що це інтелектуально". А потім цей же обиватель купує на спеціальних шоу картини, намальовані дресированими мавпами, дельфінами і слонами. Обиватель не знає про картину намальованою сто років до того хвостом осла. Вірніше про ослячої легендою. А даремно не знає, інакше здогадався б вимазати своїй кішці Мурку хвіст фарбою і допомогти їй створити черговий шедевр авангарду! Хоча ... якщо гроші, виручені від продажу картин, мальованих тваринами, йдуть на їх підтримку - я тільки "за". Серед інтелігенції ходить таке слово "совок". А інтелігенти дуже боязкі до лихослів'я в своєму середовищі. Бояться, що їх "совками" почнуть обзивати, якщо вони посварять картину на якій намальовані три або чотири смужки фарби або щось ще в цьому роді. А по мені - ті хто так ставиться до відвертої мазанині і є справжнісінькі "совки". Вірніше нерозумні і затуркані люди. Тому що і в авангардизму і в реалізмі і в будь-якому іншому "изме" є речі талановиті, а є бездарні і нікуди не від цього не дінешся. Що б зрозуміти викладені нижче думки, треба згадати, як же він з'явився - цей авангард. Не буду заглиблюватися далеко, шукати його витоки у древніх єгиптян і ацтеків. Звичайно, знайомство європейців з древніми культурами, що відкриваються в той чи інший час, мало великий вплив на художників. Коли середньовічна традиція приїлася, активізувалися розкопки в Італії, знайшли античні статуї, що безсумнівно вплинуло на мистецтво ренесансу. Так само, як і похід Наполеона ближче познайомив європейців з мистецтвом Стародавнього Єгипту, і це відбилося на такому стилі, як ампір. Знайомство з культурами Індії, Китаю, Японії, інків, ацтеків і майя, відкриття масок з тропічної Африки, (4) первісного мистецтва, все це мало вплив на європейських художників. Але, як це не дивно прозвучить, головні причини народження авангарду лежать не в сфері чистого мистецтва, а в сфері науково-технічного прогресу. (5) Я говорю, про таких науково-технічні досягнення, як поява якісної, доступною БІЛЬШОСТІ НАСЕЛЕННЯ, поліграфії, а також про винахід фотографії. Почнемо з поліграфії. Що б там не говорили, а головним завданням художника старих часів, було написати картину так, щоб вийшло, "як у житті". Виходило не завжди. Часом таке "невміння" закріплювалося в канонах. (6) Але в цілому художники прагнули, щоб намальоване було схожим на реальний об'єкт. Звичайно, даму на портреті можна і прикрасити, але все одно - вона повинна залишатися дізнаватися. Причому картини були штучним товаром. Їх якісні репродукції не тиражувати в мільйонах примірниках, книгодрукування тільки-тільки винайшли, і картина в репродукції не могла передати повноцінного уявлення про оригінал. Це могла дати лише індивідуальна копія, написана рукою художника. Картини висіли в палацах, їх можна було бачити тільки тут і зараз. І якби ви змогли перенестися в той час, взяти якісну роздруківку тієї ж "Джоконди", зроблену в пропорції один до одного, наділити її в красиву раму, я думаю, що вона б висіла на видному місці в будь-якому палаці. Більш того - цінувалася б більше інших картин, тому що на ній не видно мазків, тобто, слідів роботи художника. Художники того часу мазки ретельно затирали, навіть лакували картини, щоб приховати сліди кисті. Мазки - витрата виробництва - метою було зробити їх непомітними. Тобто, наблизитися до того рівня, який дають сучасні фотографії. Самоцінним вважалося ЗОБРАЖЕННЯ, а не техніка малювання. І ось прийшов час, і з'явилася можливість робити дешеві, але якісні репродукції, плюс з'явилася фотографія (про неї нижче) - і чим же тепер штучна картина, що висить в палаці, відрізняється від тих, що випускають великими тиражами, від тих, які може придбати будь-який, навіть щодо небагата людина? Ви можете сказати - тим, що до поліграфічної копії не торкалася рука великого художника ... Про руці генія будемо говорити далі. А зараз давайте про звичайні художників і їх картинах. Цих картин було багато - настільки, що навіть зараз ті, хто підробляють полотна Рембрандта або Рубенса, знаходять відносно недорогі полотна їхніх сучасників, які жили в тому ж регіоні, потім соскабливают фарбу і роблять старою фарбою на старому полотні свою підробку, щоб її не могла викрити сучасна техніка. У старі роки картини використовували за прямим призначенням - ними прикрашали стіни кімнат. І коли подібну функцію змогли виконувати репродукції, коли вони стали дешевше картин, люди почали цінувати те, що відрізняє картини писані пензлем від поліграфії - сліди цієї самої кисті, сліди мазків. Тобто, те, що раніше ретельно затирають, набуло самостійну цінність. А раз є попит - буде і пропозиція. Прийшли імпресіоністи. У їх появі були й інші причини, але ця - одна з найважливіших. Показово, що спочатку широка публіка не розуміла новаторів, тому що їхні картини виглядали так само, як етюди. Тобто так, як недороблена, як допоміжна картина, картина де не затерті мазки. У Росії, де вміст вважалося важливіше форми, де в моді були художники-передвижники, імпресіонізм так і називали - "етюдізм". Психологічно таку назву невірно, адже імпресіоніст, малюючи свій "етюд", налаштовувався на нього, як на готову картину. Тому такий "етюд" має зовсім іншу психологію, ніж етюд, як один з етапів роботи.

К. Піссарро. "Зовнішні бульвари. Ефект снігу". 1879.

Зразок живопису імпресіонізму.

Е. Дега. "Жінка розчісувати волосся". 1886.

Зразок живопису імпресіонізму.

О.Ренуар. "Парасольки". 1883.

Хоча ... у багатьох книгах, ескіз(7)того ж Гюстава Кайботта, до его знаменітій картині "Паризька вулиця, дощ", наводиться в якості Самостійної роботи и цінується критики не менше, чем закінчена картина.Кайботт БУВ імпресіоністом, і мені здається, что враження дощу, відчутніше самє на ескізі - там, де мазки НЕ затерті, де Контури розпліваються як бі в пелені моросящего крапель.До речі, назва "Імпресіонізм" походити від французького слова "враження".Ілля Рєпін бурчав, ознайомитись з картинами імпресіоністів, Які входили тоді в моду - Мовляв, ВІН, Рєпін, мазки ретельно затірає, а ЦІ віставляють на показ.І ось тепер - його "Побєдоносцев" - ЕТЮД до картини "Урочисте засідання Державної ради" - наводиться в багатьох книгах, як один із зразків російського імпресіонізму ... Хоча деякі дослідники вважають, що імпресіонізм чисто французьке явище, а висловлювання на кшталт "російська" або там "англійська імпресіонізм", вважають проявом крайньої безграмотності.

Г.Кайбот. "Паризька вулиця, дощ" 1877. (вгорі - картина, внизу - ескіз).

І. Рєпін. "Побєдоносцев". Етюд до картини "Урочисте засідання Державної ради" 1902.

К.Коровін. "Зима". 1894. Костянтина Коровіна називають представником російського імпресіонізму.

Треба сказати, що наведена тут картина по духу більше нагадує творіння художників-передвижників, вчителів Коровіна. Порівняйте з картиною Олексія Саврасова внизу. Це зайвий раз доводить всю відносність поділу творчості художників по стилям.

О.Саврасов. "Прилетіли граки". +1871.

{Pagebreak} Поступово публіка звикла до того, що незатёртие мазки, це гідність картини, а не її недолік. Тоді стало можливим зробити наступний крок. З'явилася теорія про те, що фарби повинні змішуватися нема на полотні, а в очах глядача. З'явилися і відповідні картини, намальовані ніби окремими точками. Так виник неоімпресіонізм, технікою якого був пуантилізм - малювання точками. Хоча, якби публіка не звикла до моди на неприкриті мазки, теорія неоимпрессионистов навряд чи з'явилася б. Незважаючи на те, що слово "теорія" я пишу без лапок, треба розуміти, що теорії обгрунтовують право на життя того чи іншого напрямку в мистецтві, зовсім не те, що наукові теорії. Теорії художників часто суб'єктивні, а багато хто з тих, якими обґрунтовували вже в ХХ столітті поява того чи іншого напрямку авангарду, виглядають зараз нескінченно наївними. Треба сказати, що мода на пуантилізм швидко пройшла. Вже дуже холодними і "Математичне" виглядали картини його головних представників - Ж.Сёри і П.Сіньяка.

Ж.Сёра. "Ейфелева вежа". 1889.

П.Сіньяк. "Порт Сен-Тропе". 1899.Сёра і Сіньяк представники неоімпресіонізму.

Перш, ніж ми підемо далі - зроблю важливе повідомлення.Люди, що не займаються ДЕТАЛЬНО історією мистецтва, представляють його, як послідовна зміна напрямків - класика - модернізм - авангард.Насправді все складніше.Авангард з'явився внаслідок втоми від реалізму, а й реалізм постійно повертався, входив в моду, як реакція на авангард.Адже шум навколо кожного нового напрямку швидко стомлював, і незабаром відбувалося масове повернення до класичного, всім зрозумілому, базова стилю, до предметної, до фігуративного живопису.Тобто, до тих доступним для сприйняття картинам-ілюстрацій, які лежать в основі таких напрямків, як ренесанс, маньеризм (реакція на ренесанс), бароко, класицизм, академізм (застиглий класицизм), реалізм, соціалістичний реалізм (має ряд неповторних рис, що відрізняють його від ПРОСТОЇ реалізму).Відмінності між вищеназваними напрямками дуже великі.Але ми не будемо тут акцентувати на них увагу.Для нас важливо, що предмети на картинах впізнавані, а самі картини малювали люди, які вміють малювати.Точніше люди, які не приховують це своє вміння, на відміну від авангардистів, деякі з яких просто не вміють малювати,(8)а інші так малюють, що їх вміння в даному випадку непомітні, створити мазанину з фарб можна і без цього.

О.Ренуар. "Великі купальниці" (фрагмент). 1887. Цю картину одного з найбільших представників імпресіонізму, багато критиків вважають невдалою через ... її "продуманого досконалості". Мовляв, завдяки такому досконалості, вона ближче до академізму, ніж до імпресіонізму ...

Повернення до базового стилю відбувалися до завидною регулярністю, аж до того, що мало не кожні 20 років, критики заявляли, що модернізм (авангардизм) застарів і помер. Але класика незабаром набридала, і художники пускалися в нові пошуки. Причому, після того, як мистецтво в цих шуканнях дуже швидко прийшло до логічного завершення, до "Чорного квадрату", шукання повторювалися по новому колу. Тому і до імпресіонізму, і до неоімпресіонізму поверталися і повертаються постійно. Зараз, наприклад, в київському метро рекламуються картини одного художника називає себе, неоімпресіоністів. Там такі навмисні мазки, що відразу не розгледиш зображення, хіба що, відійшовши на десять метрів. Нічого поганого в таких картинах немає. Просто треба знати, що нічого оригінального в них теж немає. Мистецтво пройшло через це давним-давно. Хочу зазначити, скажу, що я не стану зупинятися на таких напрямках, як живопис назарейцев, барбізонська школа, або символізм. На великих відкриттях пізнього У.Тёрнера і на багатьох інших досягненнях Х_х століття. Вони важливі, як етап, але обсяг цієї роботи не дозволяє розповідати про них. А ось про прерафаелітів, сучасників імпресіоністів, скажу пару слів.

Д.Г.Россетті. "Благовіщення". 1850.

Зразок живопису прерафаелітів.

Саме слово "прерафаеліти" означає повернення до того стилю, який був до Рафаеля Санті. Уявляєте, як "дістало" художників того часу надмірне захоплення Великим Рафаелем і Високим Відродженням, що в моду увійшло напрямок, відторгається Рафаеля! І це закономірно. За часів Рафаеля настільки зневажали тільки що минулий середньовіччя, настільки захоплювалися попередньої йому античністю, що навіть стиль пізнього середньовіччя назвали презирливим словом "готика", виробляючи його від імені варварського племені готів, одного з тих, хто поставив крапку на античності. Існує такий вислів, що люди зближуються через покоління. Тобто, онукам ближче не те, що подобається їх батькам, а то що подобалося дідам. І ось в Х_х столітті прийшло відторгнення Відродження, полюбили середньовіччя, і слово "готика" з лайливого перетворилося в почесне. Прерафаеліти внесли зміну в техніку живопису. Якщо ви подивіться на їхні картини, побачите що вони мають свій особливий колорит. Англійські художники використовували чисті кольори, писали без подмалевка по сирому білому грунту. Тобто в ті ж роки, коли імпресіоністи створювали новий стиль у Франції, англійці вели свій оригінальний пошук і в АБСОЛЮТНО ІНШОМУ напрямку. Кажуть, що лідери прерафаелітів недолюблювали імпресіоністів. Незважаючи на те, що англієць Тернер, вплинув на становлення імпресіонізму, (9) все ж імпресіонізм народився у Франції. І хоча витончені прерафаеліти були спочатку популярнішим імпресіоністів, саме останні дали головний поштовх до появи безпредметного мистецтва, до появи всіх напрямків авангарду. Приблизно в той же час, коли працювали вищезгадані неоімпресіоністів, працювали художники, яких називають постімпресіоністи - Сезанн, Ван Гог, Гоген. Сезанн в своїх пошуках найдалі пішов в процесі розкладання форм предметів. Його творчість є як би "містком" між імпресіоністами і художниками безпредметного мистецтва, між імпресіонізмом і авангардизмом. Показово, що авангардисти виступали не проти традиційного живопису, а проти імпресіонізму, який на початку ХХ століття здавався вже старомодним.

П.Сезанн. "Гора Святої Вікторії". 1898. Зразок живопису постімпресіонізму.

Художник залишив багато картин, що зображують цю гору.

{Pagebreak} Не можна також забувати, що спроби перенести стиль склався в одному виді мистецтва на інші, можуть бути вдалими і невдалими. Так символізм в живопису (особливо така риса символізму, як декаданс) має більш-менш чіткі паралелі в поезії. А ось імпресіонізм - поширювати на літературу і на музику - некоректно. Тут я згоден з М.Германом, відомим мистецтвознавцем. Немає ніякої імпресіоністської літератури, нехай навіть це писання Золя або Мопассана, сучасників імпресіоністів. Коли в їхній прозі критики знаходять риси імпресіонізму це явно "притягнуте за вуха", з тим же успіхом таке можна знайти в будь-якій іншій прозі. А ось футуризм в поезії, має паралель не тільки з футуризмом в живопису, але на мій погляд, ця паралель набагато ширше - він має паралель і з усім безпредметним мистецтвом.

Н.Гончарова. "Велосипедист". 1913. Ця картина чудово передає динамічність футуризму,

його претензії на те, щоб стати мистецтвом майбутнього.

Слово лінійно, в тому сенсі, що слова йдуть одне за іншим, а полотно двухмерен. Словом можна передати набагато більше, ніж фарбами, тут література має більші можливості, ніж живопис. А ось коли починаєш не будувати, А розкладається на частини, тут у живопису більше можливостей. Слово може бути розбитий на літери, на склади, вичленувати якісь давні корені (10) і все. А в живописі - є і точки, і плями, і трикутники, і просто суміш фарб - грати можна довго. По крайней мере, поет, що пише невнятіцу, швидше за набридне публіці, ніж художник. Значить поети-футуристи співзвучні не тільки художникам-футуристів, але і супрематистів, кубістам, ташістам і іншим, і іншим, і іншим. Я чув, що і в музиці теж знаходять відповідності тих чи інших напрямках імпресіонізму і авангардизму в живопису. Призводять навіть приклади з творів К.Дебюссі і А.Скрябіна. Я не фахівець в музиці, тому не можу судити наскільки таке твердження вірне. Стилі, які створювалися самим життям, створювалися сотні років і були ВІДКРИТІ дослідниками, а не заявлено своїми творцями - набагато реальніше. Вони справжні. Бо пронизують все. Життя накладала відбиток на архітектуру, літературу, музику, образотворче мистецтво - так складалося єдність стилю. Звичайно і тут можливий суб'єктивний підхід. Але не з боку творців стилю, які діяли стихійно, а з боку дослідників ці стилі виділяють. Чи не суб'єктивно чи виокремили маньеризм з ренесансу? Чи не занадто нечіткі відмінності між бароко і рококо? Де проходить межа, яка відокремлює класицизм від академізму? Але ці питання доречні скоріше для творів знаходяться як би на кордонах між стилями. А на крайніх полюсах твори бароко відмінні від рококо, а ренесансу від маньєризму. Це не кажучи вже про інші напрямки. Архітектура романського стилю ОБ'ЄКТИВНО відрізняється від готики, античність від середньовіччя, так само, як і сама середньовічна живопис від живопису ренесансу.

А.Каррачі. "Вакханалія (Венера, Сатир і Купідони)". 1590. Зразок живопису бароко.

Ф .Буш. "Що лежить дівчина". 1752. Зразок живопису рококо.

А ось картини фовістів А.Марков мало схожі на картини іншого фовістів - А.Матісса. Так нічний Париж Марке набагато ближче до Парижу імпресіоніста К. Піссарро, а ранні картини того ж А.Матісса і А.Дерена, за технікою виконання нагадують картини неоимпрессионистов Ж.Сёри і П.Сіньяка, бо виконані шляхом нанесення окремих точок чистого кольору. Стиль в постімпрессіоністской живопису не завжди можна визначити за зовнішнім виглядом картин. (11) Те до якого стилю віднесуть картину часто визначається тим, до якого напрямку зараховував себе її творець. Це як в біології - систематика визначається не зовнішньою схожістю, а єдністю походження. Кити більше схожі на риб, ніж на корів з шакалами. Але їх разом з шакалами і коровами відносять до ссавців, а не до риб. І не тому, що кити годують своїх дітей молоком, а дихають повітрям. Це - зовнішні ознаки, зручні для формальної систематики. Але навіть якщо б кити перестали годувати дітей молоком (таке теоретично можливо), вони все одно залишилися б родичами корів з шакалами, а не оселедців з барракудами. Єдність походження не зникне як би не мінялися тварини. Змінити його можна, лише змінивши минуле, що на жаль неможливо. Родичів не вибирають! Так і в стилях живопису останніх двох століть. Не завжди схожі картини належать до одного стилю. Розподіл на стилі часто суб'єктивно. Просто прабатьки нових напрямків вже знали про готичному або античному стилі - тому їм не могла не прийти в голову думка створити щось своє, сучасне. Виходило не завжди, але назви цих "напрямків" вже потрапили в інформаційне поле і кочують з підручника в підручник. Те, що говорилося вище, стосується більше картин, ніж художників. Сучасних художників по стилям взагалі важко розвести. Сьогодні він намалював тигра, вистрибує з "пасти" бджоли, завтра - чорний квадрат, а остан
Підписуйтесь на наш канал «78 & 078 Розваги і Роздуми Харкова» в Telegram .