Найважливіші твори в історії музики • Arzamas

Близько 590 року
Близько 1325 року
Близько 1360 року
1607 рік
1722 рік
1762 рік
1824 рік
1859 рік
1906 рік
1921
тисяча дев'ятсот тридцять-чотири
+1954

Твори, що відкрили або закрили будь-які напрямки в музиці, що опинилися тупиками або, навпаки, воротами в чудовий новий світ

590
1325
1360
1607
+1722
тисяча сімсот шістьдесят два
1824
1859
1906
1921
тисяча дев'ятсот тридцять-чотири
+1954

Близько 590 року

Антіфонарій папи Григорія I Великого

Твори, що відкрили або закрили будь-які напрямки в музиці, що опинилися тупиками або, навпаки, воротами в чудовий новий світ 590 1325 1360 1607 +1722 тисяча сімсот шістьдесят два 1824 1859 1906 1921 тисяча дев'ятсот тридцять-чотири +1954 Близько 590 року Антіфонарій папи Григорія I Великого Кодекс 121 з Айнзідельнского абатства

Кодекс 121 з Айнзідельнского абатства.960-970 роки

Кодекс включає в себе найдавніші цілком збереглися невматический меси антіфонарія; в наші дні манускрипт є важливим джерелом для вивчення григоріанського співу (хоралу).

Складання антіфонарія папи Григорія I Великого - книги богослужбових співів У ранньому Середньовіччі в антіфонаріі містилися тексти оффіція (всі служби добового циклу в Римсько-католицької церкви, крім меси) і меси - тепер тільки оффіція. - поклало край численним регіональним традиціям співу і привело в цілому до вихолощення спочатку вигадливою і різноманітною природи церковних піснеспівів, перш багатих прикрасами, вишуканих в ритмічному плані і різноманітних по виразною динаміці.

Результатом стала поява григоріанського хоралу, на довгі роки став основним мелодійним фондом європейської музики. Григоріанський хорал, або «рівний наспів» (plain chant) є, таким чином, кінцевим пунктом розвитку мистецтва імпровізації по заданому канону (широко поширеною на Сході до наших днів) і одночасно відправною точкою створення західноєвропейської музики.

григоріанський хорал Kyrie Eleison

Близько 1325 року

Трактат «Ars nova»

У трактаті Філіпа де Вітрі (1291-1361) «Ars nova» вперше викладається система правил твори багатоголосої музики. Багатоголосся виникає в Х столітті, досягаючи до кінця XII століття досить витончених форм у творчості Перотіна Великого Перотин Великий - французький композитор кордону XII-XIII століть. Керував хором паризького собору Нотр-Дам і очолював склалася навколо нього композиторську школу. (за визначенням самого де Вітрі - Ars antiquа), проте треба було ще ціле століття для того, щоб удосконалити спосіб нотного запису і ввести систему обмежень Зокрема, правила вживання консонирующие і дисонуючих інтервалів: дисонанс тепер обов'язково дозволяти в консонанс. з метою зробити музику більш милозвучно і структурно оформленої. Багато з правил, запроваджених де Вітрі, до сих пір входять до шкільних підручників гармонії і поліфонії Наприклад, заборона на рух паралельними досконалими консонанс - октавами і квінтами. , А терміни «Ars antiqua» і «Ars nova» стали загальноприйнятими в історії музики.

градуал Перотіна Viderunt Omnes
Мотет Філіпа де Витри Vos Qui Admiramini

Близько 1360 року

Меса «Нотр-Дам»

Меса «Нотр-Дам» Гійома де Машо.Близько 1370-1372 років

Меса «Нотр-Дам» Гійома де Машо - перша з відомих мес, написана одним композитором цілком (більш ранні меси, наприклад турнейском, складені з різних частин, написаних у різний час різними композиторами, найчастіше анонімними). Жанр католицької Пятичастное меси - Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus і Benedictus, Agnus Dei ( «Господи помилуй», «Славен», «Вірую», «Свят» і «Благословен», «Агнець Божий») - стає основним у творчості композиторів епохи Відродження і залишиться таким аж до кінця XVI століття. В силу свого прикладного характеру цей жанр був присутній у творчості композиторів аж до кінця XIX століття (меси композиторів-романтиків Ференца Ліста, Габріеля Форе, Антона Брукнера).

Agnus Dei з меси «Нотр-Дам» Гійома де Машо

1607 рік

Опера «Орфей» Клаудіо Монтеверді

Клаудіо Монтеверді.Картина Бернардо Строцці.Близько 1630 року

Італійський композитор Клаудіо Монтеверді (1567-1643) створює першу в світі оперу «Орфей». Цей твір відкриває нову епоху в історії музики, епоху верховенства музичного театру. Саме опері ми зобов'язані походженням таких жанрів, як симфонія (яка, згідно широко поширеною гіпотезою, виникла з оперної увертюри), а також практично всієї масової музики , Пов'язаної з театральною виставою. Саме в оперному театрі відбулися знамениті музичні реформи XVIII і XIX століть - Глюка і Вагнера відповідно, - різко просунули вперед музичну мову. Одночасно з цим народження опери остаточно відсунуло колись чільну роль церкви як інституту музичного розвитку і передало його в руки спочатку аристократії, а через півтора-два століття - широких слухацьких мас.

Фрагмент опери Клаудіо Монтеверді «Орфей»

1722 рік

Збірник прелюдій і фуг «Добре темперований клавір» Баха

Прелюдія фа мінор (BWV 857) з першої частини «Добре темперованого клавіру» Йоганна Себастьяна Баха.Автограф.1722 рік

Йоганн Себастьян Бах складає і видає перший том збірника прелюдій і фуг «Добре темперований клавір», що включає в себе 24 двухчастную циклу з прелюдії (що виникла, як правило, з записаної імпровізації) і фуги (поліфонічної п'єси для 2 або 5 «голосів» на одну , дві або навіть три теми). Це типовий приклад тупика і порталу одночасно. По-перше, цей збірник (поряд з другим томом і передсмертним незакінченим «Мистецтвом фуги») закриває майже стоп'ятдесятирічний історію форми фуги Фуга - композиція, а ширше - техніка, в якій кожен з голосів, що вступають на початку форми один за одним, повторює задану тему або кілька тем; в подальшому розвиває теми, найчастіше переводячи їх з мажору в мінор або навпаки. Тривалості теми або тим можуть пропорційно збільшуватися або зменшуватися, з'єднуватися один з одним і т. Д.. Вільне, горизонтальне протягом голосів фуги, що утворюють вигадливі самостійні лінії, все більше підпорядковується рамкам функціональної гармонії , Збираючись в добре помітні на слух «згустки» або «пучки». По-друге, Бах вперше використовує не тільки все мажорні і мінорні тональності, які можливо побудувати від будь-якого з дванадцяти звуків хроматичної гами Хроматичну гаму можна відтворити, зігравши всі звуки в октаву на білих і чорних клавішах один за одним. , Але і з'єднує їх все в темі останньої, 24-й фуги.

Задумані як демонстрація досконалості систем темперации , Що дозволяють виконання в будь-яких тональностях, ці прелюдії і фуги послужили не тільки зразком для композиторів наступних століть (Шопен, Скрябін, Рахманінов, Хіндеміт, Шостакович), але і виявили серйозне розбіжність між теорією функціональної гармонії, створеної Ж. Ф. Рамо в ті ж роки, і реальної композиторської практикою. Цікаво, що «Добре темперований клавір» і трактат Рамо з'являються в один рік (1722) - виходить якась «смерть в яйці», дуже яскрава і одночасно тонка діалектика, для історії музики - один з найбільш плакатних і очевидних прикладів.

Прелюдія і Фуга № 2 до мінор зі збірки «Добре темперований клавір» Й. С. Баха

1762 рік

Перший струнний квартет Йозефа Гайдна

Йозеф Гайдн.Портрет Томаса Харді.1791 рік

Складові квартету - дві скрипки, альт і віолончель - з цього моменту стають головним складом камерної музики аж до сьогоднішнього дня. Це єдиний типовий камерний склад епохи класицизму, який пережив всі епохи, стилі і техніки і по сей день є випробувальним полігоном для нових композиторських винаходів і відкриттів. (Широко поширена легенда, що Гайдн був змушений використовувати тільки ці інструменти через відсутність інших музикантів в капелі, для якої ця музика була написана, не відповідає дійсності.) Насправді інструменти скрипкового сімейства однорідні за будовою і їх нижні звуки (відкриті нижні струни) гармонійні один одному. Тому вони і утворюють ідеальний ансамбль на відміну від якого-небудь віольного консорт, де все розповзається через те, що всі віоли різні і по-різному налаштовані.

Серенада з Струнного квартету (соч. 3, № 5) Йозефа Гайдна

1824 рік

Дев'ята симфонія Бетховена

Перша частина (Allegro ma non troppo e un poco maestoso) Cімфоніі № 9. Рукопис Людвіга ван Бетховена.1824 рік

У 1824 році Бетховен закінчує Дев'яту симфонію з фіналом на текст «Оди до радості» Шиллера. Нам невідомо ім'я автора першої в світі класичної симфонії, проте саме Бетховен довів всі класичні жанри XVIII століття до логічного кінця, «закривши» музичний класицизм і ширше - епоху Просвітництва в музиці. Пізні сонати і квартети Бетховена є перевірку на міцність існуючих форм і жанрів, в відточуванні яких до кристального досконалості він і сам взяв найактивнішу участь. Результатом цієї перевірки на міцність з'явилася гора руїн, які послужили загадкою для дослідників і невичерпним джерелом натхнення для наступних поколінь. Так, синтез великомасштабної симфонії (не першої в творчості Бетховена - ще в 1803 році він пише Третю, «Героїчну» симфонію) з наскрізним музично-драматургічних розвитком і ораторії привів до появи численних симфоній-кантат.

Друга частина Симфонії № 9 Людвіга ван Бетховена

1859 рік

Музична драма Вагнера «Трістан і Ізольда»

Мальвіна і Людвіг Шнорр фон Карольсфельд.Перші виконавці заголовних партій в опері «Трістан і Ізольда».Фотографія Йозефа Альберта, 1865 рік

Етапне твір як для музичного театру, так і для музичного мистецтва в цілому. Незважаючи на те що до цього моменту були готові вже перші дві частини «Кільця Нібелунга», в яких Вагнер вже втілив свій план реформи музичного театру з наскрізним розвитком, відсутністю поділу на арії та речитативи, лейтмотивной системою При цій системі не тільки кожному персонажу або сценічної ситуації, але навіть предмету або почуттю присвоюється певний мотив або гармонічний зворот, що виникає щоразу, коли композитору необхідно нагадати про нього. Кількість лейтмотивів в операх Вагнера може перевищувати п'ятдесят. Хоча лейтмотив не винахід Вагнера і сам він цим терміном ніколи не користувався, ця техніка була для нього однією з найважливіших. в оркестровій партитурі, саме «Трістан» і до цього дня залишається одним з найсміливіших оперних творів за всю історію розвитку оперного театру. Надзвичайно повільне розвиток сюжету, натуралістичне для свого часу зображення еротичних переживань в музиці, а головне, різко позначився розпад функціональної гармонії в використаних композитором виразних засобах зробили це п'ятигодинне твір рубіжним для музичного театру, безповоротно поховали стару модель XVIII століття і що змусив композиторів наступного покоління шукати нових шляхів. Повз відкриттів Вагнера не міг пройти навіть літній Верді ( «Отелло», «Фальстаф»), не кажучи вже про Пуччіні, Ріхарда Штраус і Клоді Дебюссі. З цього моменту Німеччина стає джерелом революційних ідей не тільки в інструментальній музиці, а й у музичному театрі, остаточно потіснивши свого головного музичного суперника - Італію.

увертюра до опери Вагнера «Трістан і Ізольда»

1906 рік

Камерна симфонія Шенберга, «Питання, що залишився без відповіді» Айвза, твори для фортепіано Скрябіна і Бели Бартока

У 1906 році з'являються відразу три твори, що знаменували кінець старої епохи і початок нової:

1. Арнольд Шенберг пише Камерну симфонію (соч. 9). Вперше з XVIII століття слово «симфонія» поєднується з ансамблем з невеликого числа музикантів (п'ятнадцять). Появою цього твору Шенберг відреагував на розростання симфонічних оркестрів до колосальних масштабів (так, у виконанні Восьмої симфонії Малера або ораторії самого Шенберга «Пісні Гурре» разом з хором брало участь до 300-400 чоловік). Кожен інструмент був представлений всього-на-всього одним музикантом (крім двох скрипок і пари валторн). Одночасно з цим партія кожного інструменту різко ускладнювалася, перетворюючись в віртуозний етюд. На прем'єрі симфонії у Відні виник великий скандал з бійкою, в якій брав участь Густав Малер. Хоча музика для симфонічного оркестру вигадується до сих пір, з цього моменту він перестав бути головним експериментальним полем для композиторів ХХ століття. Вся увага авторів було перенесено на склади подібного роду, і всі великі ансамблі сучасної музики формуються з кінця 1960-х років за цим принципом London Sinfonietta, Ensemble Intercontemporain, Ensemble Modern, Klangforum Wien і інші, в тому числі «Студія нової музики» в Москві. .

уривок з Камерної симфонії Шенберга

2. Чарлз Айвз складає композицію «Питання, що залишився без відповіді», де застосовує поєднання двох груп інструментів, які грають музику в різних стилях і техніках і до того ж розділених в просторі (хорал у струнних за сценою, ансамбль духових на сцені), і соліста -трубача, якому доручена роль «питається» - він стоїть на балконі. Ідея просторової композиції не нова, вона і досі зустрічається в церковній практиці, є і знаменитий епізод в «Дон-Жуана» Моцарта з одночасним звучанням двох оркестрів. Однак настільки яскраве і сміливе рішення безпосередньо вплинуло на пошуки композиторів-авангардистів 50-х і 60-х років, тим більше що твір Айвза кілька десятиліть не виконувалося.

«Питання, що залишився без відповіді» Чарлза Айвза

3. Олександр Скрябін та Бела Барток вперше пишуть твори для фортепіано (соч. 52 Скрябіна і соч. 6 Бартока), остаточно рвуть з функціональної гармонією . Саме їх вважають зазвичай першими атональні Атональність - техніка написання музики, в якій, на відміну від модальності або тональності, відсутні ладові підвалини і тональні центри, а весь матеріал організований найчастіше за принципом однорідності використовуваних інтервалів і акордів. Хоча ось що писав сам Шенберг з приводу невдалості терміна: «Перш за все я вважаю, що" атональна музика "- це саме невдалий визначення, подібне до того, як якщо б ми називали політ" мистецтвом не падати ", а плавання -" мистецтвом не тонути "» ( «Style and Idea», рос. пер. Н. Власової, О. Лосевой). творами, незважаючи на те що ще в 1885 році Лист написав «Багатель без тональності». Шенберг і його учні прийдуть до написання атональних творів на кілька років пізніше, роблячи численні спроби систематизації атонального листи (при цьому не визнаючи терміна «атональні», так як по-німецьки це сприймається як «беззвучний»).

«Поема томління» - третя частина з трехчастной п'єси (соч. 52) Олександра Скрябіна
14 багателей для фортепіано Бели Бартока (соч. 6) № 5

1921

Сюїта (соч. 25) і Вальс (соч. 23, № 5) Шенберга

Арнольд Шенберг.Фотографія 1924 року

Це перші експериментальні твори, написані Шенберга в винайденої їм техніці додекафонії . (Попередні п'єси циклу, соч. 23, являють собою своєрідні ескізи в різних атональних або внетональная техніках, часто навіть більш витончених.) Фактично це друга після атональності «винайдена» техніка. Решта складалися як би самі, але їх «стверджували» (Філіп де Витри, Вінчентіно, Царлино, Рамо і інші). Шенберга вдалося довести атональні пошуки до кінця.

Обидва твори з'явилися у пресі в 1923-1924 роках: п'єси, соч. 23, духовий квінтет, соч. 24 і фортепіанна сюїта, соч. 25 - одночасно з авторським описом додекафонія методу твори.

Сюїта для фортепіано (соч. 25) Арнольда Шенберга
П'ять п'єс для фортепіано (соч. 23, № 5) Арнольда Шенберга

тисяча дев'ятсот тридцять-чотири

Камерний концерт Антона фон Веберна

Антон фон Веберн.Фотографія ательє Брюльмейера.1932 рік

Учень Шенберга Антон фон Веберн пише Камерний концерт, соч. 24, до 60-річчя вчителя. Цей твір поклало початок інтегральному серіалізму, тобто такого способу написання музики, при якому не тільки висоти, але і інші параметри звуків композиції підкоряються єдиним закономірностям, що створює ряди.

Основні «діючі сили» концерту виведені Веберном вже в перших трьох тактах. Композитор ділить серію на чотири сегменти, при однаковій динаміці різних за у всіх інших планах - мотивной, тембровом, ритмічному, артикуляционном. Ці короткі, лаконічні формули не стають надалі «власністю» якогось із інструментів або їх груп, як передбачалося б в разі розвитку традиційного принципу концертування. Вони розвиваються за іншими, внутрішніми законами, які виведуть тут тільки з властивостей самого матеріалу. Тому соч. 24 - це не стільки концерт інструментів в звичному розумінні цього жанру, скільки «концерт ідей», підлеглих допитливому розуму художника і вченого. Створюючи концерт, Веберн сам накреслив в ескізах латинський вислів, що читається однаково в усіх напрямках:

S A T O R
A R E P O
T E N E T
O P E R A
R O T A S

«Сівач арепа тримає працею колесо [фортуни]» (пров. Р. Л. Поспєлова).

Камінь з написом-паліндромом SATOR AREPO TENET OPERA ROTAS.Церква Сан-П'єтро-ад-ораторіум в Капестрано, Абруццо.VIII-IX століття

Аналогічно цьом «паліндром в квадраті» Веберн будує серію концерту и ее Похідні. Аналіз даного твору Веберна, Вироблення свого часу Карлхайнц Штокхаузеном, ставши хрестоматійнім и поклали початок чисельність експеримент в області пошуків новой звукової организации в 50-і роки. Поряд з Варіаціями для фортепіано, написаними в 1936 році, цей твір Веберна стало завершальним для величезного циклу розвитку європейської музики, не тільки повернувши її в лоно віртуозною конструктивності франко-фламандської школи раннього Ренесансу, а й довівши до межі інтонаційної витонченості в рамках темперованого ладу і традиційного інструментарію.

Концерт для дев'яти інструментів (соч. 24) Антона фон Веберна

+1954

П'єса «4'33 ''» Джона Кейджа

Джон Кейдж.+1982 рік

П'єса «4'33 ''» поклала початок дослідженню меж музичного. Під час виконання Твір для вільного складу інструментів. Тривалість твору відповідає його назві. На всьому протязі його виконання учасники ансамблю витягають звуків зі своїх інструментів. твори все сторонні і випадкові шуми стають, таким чином, складовою частиною музичного твору. У цьому відмінність експерименту Кейджа від більш ранніх дослідів такого ж роду, так як вони не припускали таких концептуальних рамок. З іншого боку, саме цей твір, яке часто вважають «межею музики», стало відправною точкою для багатьох композиторів, які перетворили тишу або паузу в рівноправний зі звуком акустичний «будматеріал». Це відноситься до Луїджі Ноно (особливо в пізній творчості) і його учневі, патріарху авангарду 60-70-х Гельмут Лахенманн, а також до численних авторам, які працюють на межі чутного і нечутного (наприклад, Сальваторе Шарріно).

Піаніст Вільям Маркс грає твір Джона Кейджа «4'33 ''»

Energy - Школа современных танцев