Образотворче мистецтво здатне подарувати цілу гаму емоцій. Деякі картини змушують вдивлятися в них годинами, інші ж буквально шокують, дивують і «підривають мозок», а разом з ним і ваш світогляд.

Є такі шедеври, які змушують задуматися і шукати таємний сенс. Деякі картини оповиті містичними загадками, в інших же головне - їх непомірно висока ціна. Можна сказати, що живопис, якщо не брати до уваги реалістів, завжди була, є і буде дивною. Але деякі картини дивніше інших. І хоча саме поняття дивацтва носить суб'єктивний характер, можна виділити ті відомі роботи, які явно вибиваються із загального ряду.

Едвард Мунк «Крик».

Робота розміром 91х73,5 см була створена в 1893 року. Мунк писав її маслом, пастеллю і темперою, сьогодні картина зберігається в Національній галереї Осло. Творіння художника стало знаковим для імпресіонізму, це взагалі одне з найвідоміших на сьогодні картин в світі. Сам Мунк так повідав історію її створення: «Я йшов по стежці з двома друзями. У цей час сонце сідало. Раптом небо стало криваво-червоним, я призупинився, відчуваючи знемогу, і обперся об паркан. Я дивився на кров і язики полум'я над синювато-чорним фіордом і містом. Мої друзі пішли далі, а я все стояв, тремтячи від хвилювання, відчуваючи нескінченний крик, що пронизує природу ».

Є дві версії тлумачення сенсу намальована. Можна вважати, що зображений персонаж охоплений жахом і безмовно кричить, притиснувши руки до вух. Інша ж версія свідчить, що людина закрила свої вуха від кричущого навколо нього крику. Всього Мунк створив цілих 4 версії «Крику». Деякі фахівці вважають, що ця картина є класичним проявом того маніакально-депресивного психозу, від якого страждав художник. Коли Мунк пролечился в клініці, до цього полотна він вже не повертався.

Поль Гоген «Звідки ми прийшли? Хто ми? Куди ми йдемо?".

У бостонському музеї образотворчих мистецтв можна знайти цю роботу імпресіоніста розміром 139,1х374,6 см. Написана вона маслом на полотні в 1897-1898 роках. Ця глибока робота була написана Гогеном на Таїті, куди він пішов від суєти паризького життя. Картина стала настільки важливою для художника, що по її закінченні він навіть хотів накласти на себе руки. Гоген вважав, що вона на голову найкраще, що він створив до цього. Художник вважав, що не зможе вже створити щось краще або схоже, йому просто ні до чого більше прагнути.

Гоген прожив ще 5 років, довівши істинність своїх суджень. Сам він говорив, що його головну картину треба розглядати справа наліво. На ній присутні три основні групи фігур, які й уособлюють ті питання, якими названо полотно. Три жінки з дитиною показують початок життя, в середині люди символізують зрілість, старість же представлена ​​літньою жінкою, яка чекає своєї смерті. Здається, що вона змирилася з цим і думає про щось своє. Біля її ніг розташувалася білий птах, що символізує безглуздість слів.

Пабло Пікассо «Герніка».

Творіння Пікассо зберігається в мадридському музеї королеви Софії. Велика картина розміром 349 на 776 см написана маслом на полотні. Це полотно-фреска була створена в 1937 році. Картина розповідає про наліт фашистських льотчиків-добровольців на місто Герніка. В результаті тих подій місто з населенням в 6 тисяч чоловік був повністю стертий з лиця землі.

Цю картину художник створив буквально за місяць. У перші дні Пікассо творив по 10-12 годин, в перших же його начерках вже проглядалася головна ідея. У підсумку картина стала однією з найкращих ілюстрацій всіх жахів фашизму, жорстокості і людського горя. У «Гернике» можна розглянути сцена звірства, насильства, смерті, страждань і безпорадності. Хоча причини такого явно не вказані, вони зрозумілі з історії. Кажуть, що в 1940 році Пабло Пікассо в Парижі навіть викликали в Гестапо. Його відразу ж запитали: «Ви це зробили?». На що художник відповів: «Ні, це зробили Ви».

Ян ван Ейк «Портрет подружжя Арнольфіні».

Ця картина була написана в 1434 році маслом по дереву. Розміри шедевра становлять 81.8х59.7 см, а зберігається він у Лондонській національній галереї. Імовірно на картині зображений Джованні ді Ніколао Арнольфіні разом зі своєю дружиною. Робота є однією з найскладніших в західній школі живопису часів Північного Відродження.

У цій знаменитій картині величезна кількість символів, алегорій і різних зачіпок. Чого вартий тільки підпис художника «Ян ван Ейк був тут». У підсумку картина є не просто витвором мистецтва, а справжнім історичним документом. Адже на ній зображено реальна подія, яке зобразив ван Ейк.

Михайло Врубель «Демон сидячий».

У Третьяковській галереї зберігається цей шедевр Михайла Врубеля, написаний ним маслом в 1890 році. Розміри полотно - 114х211 см. Зображений тут демон дивує. Він постає сумним юнаків з довгим волоссям. Зазвичай люди не так представляють злих духів. Сам же Врубель про своє самому знаменитому полотка говорив, що в його розумінні чорт не стільки злий дух, скільки страждає. При цьому не можна відмовити йому у владності і величавості.

Демон Врубеля є чином, перш за все духу людини, що панує всередині нас постійної боротьби з самим собою і сумнівів. Ця істота в оточенні квітів трагічно зчепивши руки, його величезні очі з сумом дивляться вдалину. Вся композиція висловлює сором фігури демона. Він нібито затиснутий в цьому образі між верхом і низом рами картини.

Василь Верещагін «Апофеоз війни».

Картина була написана в 1871 році, але в ній автор немов би передбачав жахи майбутніх Світових воєн. Полотно розміром 127х197 см зберігається в Третьяковській галереї. Верещагін вважається одним з найкращих баталістів в російського живопису. Однак війни і битви він писав аж ніяк не тому, що любив їх. Художник засобами образотворчого мистецтва намагався передати людям своє негативне ставлення до війни. Одного разу Верещагін навіть пообіцяв більше не писати батальних картин. Адже горе кожного пораненого і убитого солдата художник сприймав занадто близько до серця. Результатом такого проникливого відношення до цієї тематики і став «Апофеоз війни».

Страшна і зачаровує картина зображує гору людських черепів на поле з воронами навколо. Верещагін створив емоційне полотно, за кожним черепом у величезній купі простежується історія і доля особистостей і близьких їм людей. Сам художник саркастично називав цю картину натюрмортом, адже на ньому зображена мертва природа. Всі деталі «Апофеозу війни» кричать про смерть і порожнечі, це видно навіть в жовтому тлі землі. А синява неба тільки підкреслює смерть. Ідея жахів війни підкреслює дірками від куль і слідами шабель на черепах.

Грант Вуд «Американська готика».

Ця невелика картина має розміру 74 на 62 см. Вона була створена в 1930 році, а зараз зберігається в Чиказькому університеті мистецтв. Картина є одним з найвідоміших прикладів американського мистецтва минулого століття. Уже в наш час ім'я «Американської готики» часто згадується в ЗМІ. Картина зображує досить похмурого батька і його дочка.

Численні деталі розповідають про суворості, пуританстві і закостенілості цих людей. У них незадоволені обличчя, посередині картини виявилися агресивні вила, а одяг пари є старомодною навіть за мірками того часу. Навіть шов на одязі фермера повторює форму вил, подвоюючи загрозу тим, хто зазіхне на його спосіб життя. Деталі картини можна вивчати нескінченно, фізично відчуваючи дискомфорт.

Цікаво, що свого часу на конкурсі в Чиказькому університеті мистецтв картина була прийнята суддями, як гумористична. А ось жителі Айови образили на художника за те, що він виставив їх в такому непривабливому ракурсі. Моделлю для жінки виступила сестра Вуда, а ось прототипом сердитого чоловіка став зубний лікар живописця.

Рене Магрітт «Закохані».

Картина була написана в 1928 році маслом на полотні. При цьому існує два її варіанти. На одному з них чоловік і жінка цілуються, ось тільки їх голови закутані білою тканиною. На іншій версії картини закохані дивляться на глядача. Намальоване і дивує, і заворожує. Фігури без осіб символізують сліпоту любові. Відомо, що закохані не бачать нікого навколо, ми ж не можемо розглядати їх справжніх почуттів. Навіть один для одного ці люди, засліплені почуттям, насправді загадка.

І хоча основний посил картини і здається зрозумілим, «Закохані» все одно змушують дивитися на них і думати про любов. У Магрітта взагалі майже всі картини є ребусами, розгадати які повністю неможливо. Адже ці полотна ставлять головні питання про сенс нашого життя. У них художник говорить про ілюзорність того, що ми бачимо, про те, що навколо нас багато таємничих речей, яких ми намагаємося не помічати.

Марк Шагал «Прогулянка».

Картина була написана маслом на полотні в 1917 році, зараз вона зберігається в Державній Третьяковській Галереї. У своїх роботах Марк Шагал зазвичай серйозний, але тут він дозволив собі проявити почуття. Картина висловлює особисте щастя художника, в ній повно любові і алегорій.

Його «Прогулянка» є автопортретом, де Шагал зобразив поруч з собою свою дружину Беллу. Його обраниця ширяє в небі, вона ось-ось потягне туди і художника, який і так майже вже відірвався від землі, торкаючись її тільки кінчиками взуття. В іншій руці чоловіка - синиця. Можна сказати, що так Шагал зобразив своє щастя. У нього і журавель в небі у вигляді коханої жінки, і синиця в руках, під якою він мав на увазі свою творчість.

Ієронім Босх «Сад земних насолод».

Це полотно розміром 389х220 см зберігається в іспанському музеї Право. Босх написав картину маслом на дереві в 1500-1510 роки. Це найвідоміший триптих Босха, хоча картина і має три частини, названа вона на ім'я центральної, присвяченій хтивості. Навколо сенсу дивної картини постійно ведуться суперечки, немає такого її тлумачення, яке б визнали єдино вірним.

Інтерес до триптиху з'являється через безліч дрібних деталей, якими і виражена головна ідея. Є тут напівпрозорі фігури, незвичайні споруди, чудовиська, які втілилися нічні кошмари і бачення і пекельні варіації реальності. На все це художник зміг поглянути гострим і пильним поглядом, зумівши поєднати несхожі елементи в єдине полотно.

Деякі дослідники намагалися побачити в картині відображення людського життя, яку автор показав марною. Інші знайшли образи любові, хтось виявив торжество хтивості. Однак сумнівно, що автор намагався прославити плотські насолоди. Адже фігурки людей зображені з холодною відстороненістю і простодушністю. Та й церковна влада досить прихильно поставилися до цієї картини Босха.

Густав Клімт «Три віки жінки».

У Римській Національній галереї сучасного мистецтва розташовується ця картина. Квадратне полотно шириною 180 см було написано маслом на полотні в 1905 році. Ця картина висловлює одночасно і радість, і смуток. Художник в трьох фігурах зміг показати все життя жінки. Перша, ще дитина, вкрай безтурботна. Зріла жінка висловлює умиротворення, а останній вік символізує розпач. При цьому середній вік органічно вплетений в життєвий орнамент, а старий помітно виділяється на його фоні.

Явний контраст між молодою жінкою та літній є символом. Якщо розквіт життя супроводжується численними можливостями і змінами, то остання фаза - це закоренілий сталість і конфлікт з дійсністю. Така картина привертає увагу і змушує задуматися про задум художника, його глибині. У ній все життя з її неминучістю і метаморфозами.

Егон Шиле «Сім'я».

Це полотно розміром 152.5х162.5 см написаний маслом в 1918 році. Нині він зберігається у віденському «Бельведері». Учителем Шиле був сам Клімт, однак учень зовсім не намагався його старанно копіювати, шукаючи свої способи вираження. Можна сміливо стверджувати, що роботи Шиле ще куди більш трагічні, що лякають і дивні, ніж у Клімта.

Деякі елементи сьогодні назвали б порнографічними, є тут безліч різних перверсій, у всій красі присутній натуралізм. При цьому картини буквально пронизані якимось щемливим відчаєм. Вершиною творчості Шиле і його найостаннішої картиною є «Сім'я».

У цьому полотні відчай доведено до максимуму, при цьому сам твір для автора виявилося найменш дивним. Після того, як від іспанського грипу померла вагітна дружина Шиле, і незадовго до його смерті був створений цей шедевр. Між двома смертями пройшло всього 3 дні, їх вистачило художнику, щоб зобразити себе з дружиною і свого, так і не народженої дитини. На той момент Шиле було всього 28 років.

Фріда Кало «Дві Фріди».

Картина з'явилася на світ в 1939 році. Мексиканська художниця Фріда Кало стала відома після виходу в світ кінокартини про неї з Сальмою Хайєк у головній ролі. В основі творчості художниці лежали її автопортрети. Сама вона пояснювала цей факт так: «Я пишу себе, тому що багато часу проводжу на самоті і тому що є тією темою, яку знаю найкраще».

Цікаво, що ні на одному зі своїх полотен Фріда не посміхається. Її обличчя серйозно, навіть в чомусь скорботно. Зрощені густі брови і ледь помітні вусики над стиснутими губами висловлюють максимальну серйозність. Ідеї ​​ж картин криються в постатях, тлі і деталях того, що оточують Фріду.

Символіка картин спирається на національні традиції Мексики, тісно переплітаючись зі старою індіанської міфологією. «Дві Фріди» є однією з найкращих картин мексиканки. У ній оригінальним чином відображені чоловіче і жіноче начало, що мають єдину кровоносну систему. Таким чином, художниця показала єдність і цілісність цих двох протилежностей.

Клод Моне «Міст Ватерлоо. Ефект туману ».

У Санкт-Петербурзькому Ермітажі можна знайти цю картину Моне. Вона була написана маслом на полотні в 1899 році. При ближчому розгляді картини вона постає фіолетовим плямою з нанесеними на нього густими мазками. Однак віддаляючись від полотна, глядач розуміє всю його магію.

Спершу стають видні неясні півкола, що проходять по центру картини, проявляються обриси човнів. А з відстані в пару метрів можна побачити вже всі елементи картини, які зв'язуються в логічний ланцюжок, відзначає adme.ru .

Джексон Поллок «Номер 5, 1948".

Поллок є класиком жанру абстрактного експресіонізму. Його найвідоміша картина є на сьогодні найдорожчою в світі. А намалював її художник в 1948 році, просто розливаючи масляну фарбу по фіброліта розміром 240х120 см підлозі. У 2006 році ця картина була продана на аукціоні «Сотбіс» на 140 мільйонів доларів.

Попередній господар, колекціонер і кінопродюсер Девід Гіффен, продав її мексиканському фінансистові Девіду Мартінесу. Поллок говорив, що вирішив відійти від таких звичних інструментів художника, як мольберт, фарби та пензлі. Його інструментами стали палички, ножі, совки і ллється фарба. Він використовував також суміш її з піском або навіть бите скло.

Починаючи творити, Поллок віддається натхненню, не усвідомлюючи навіть, що робить. Тільки потім приходить усвідомлення скоєного. При цьому у художника немає страху зруйнувати образ або змінити його ненароком - картина починає жити власним життям. Завдання Поллока - допомогти їй народитися, вийти назовні. А ось якщо майстер втратить контакт зі своїм творінням, то на виході вийде хаос і бруд. У разі успіху картина втілить в собі чисту гармонію, легкість отримання та втілення натхнення.

Жоан Міро «Чоловік і жінка перед купою екскрементів».

Ця картина нині зберігається у фонді художника в Іспанії. Вона написана маслом на аркуші міді в 1935 році всього за тиждень з 15 по 22 жовтня. Розмір творіння всього 23х32 см. Не дивлячись на таке провокаційна назва, картина говорить про жахи громадянських воєн. Сам автор, таким чином, зобразив події тих років, що відбуваються в Іспанії. Миро спробував показати період занепокоєння.

На картині можна розглянути нерухомих чоловіка і жінку, які, тим не менш, тягнуться один до одного. Полотно насичене зловісними отруйними квітами, разом зі збільшеними статевими органами це виглядає нарочито огидно і огида сексуально.

Яцек Єрка «Ерозія».

У роботах цього польського неосюрреаліста картини дійсності, переплітаючись, породжують нову реальність. У чомусь навіть зворушливі картини є вкрай детальними. У них відчуваються відгомони сюрреалістів минулого, від Босха до Далі.

Єрко ріс в атмосфері середньовічної архітектури, дивом вціліла після бомбардувань Другої світової війни. Малювати він почав ще до вступу до університету. Там спробували було змінити його стиль на більш сучасний і менш деталізований, але сам Єрко зберіг свою індивідуальність. Сьогодні його незвичайні картини виставляються не тільки в Польщі, але й в Німеччині, Франції, Монако, США. Є вони в ряді колекцій по всьому світу.

Білл Стоунхем «Руки противляться йому».

Картина, написана в 1972 году Класика живопису назваті Важко. Однако немає жодних сумнівів, что вона входити в число самих чудовий створінь художників. На картині збережений хлопчик, поруч з ним стоит лялька, а ззаді до скла прітіснуті чісленні Долоньки. Це полотно дивне, загадкове і в чомусь містичне. Воно вже обросла легендами. Кажуть, що через цю картини хтось помер, а діти на ній - живі. Виглядає вона і справді моторошно. Не дивно, що людям з хворою психікою картина навіює страхи і моторошні фантазії.

Сам же Стоунхем запевняв, що намалював самого себе у віці 5 років. Двері ж за хлопчиком є ​​бар'єром між реальністю і світом сновидінь. Лялька ж є провідником, яка може проводити дитини з одного світу в інший. Руки ж є альтернативними життями або можливостями людини.

Картина стала знаменитою в лютому 2000 року. Її виставили на продаж на eBay, повідавши, що на ній є привиди. У підсумку «Руки противляться йому» була куплена за 1025 доларів Кімом Сміт. Незабаром покупець був буквально завалений листами зі страшними історіями, пов'язаними з картиною, і вимогами знищити це полотно.